«Задача индустрии развлечений – найти способы достучаться до зрителя»
Арт-директор Sila Sveta – о международных проектах, работе с нейросетями и трендах мультимедиа
В эпоху технологической революции и запроса на абсолютный иммерсив вселенная развлечений меняется до неузнаваемости. На острие этих изменений работает арт-директор международной мультимедиа-студии Sila Sveta Всеволод Канищев. Его портфолио объединяет более 57 масштабных проектов: от визуального сопровождения шоу мирового тура The Weeknd и интерактивного перформанса Билли Айлиш до церемонии закрытия финала ЧМ-2022 в Катаре. В интервью деловому изданию «Ведомости Северо-Запад» он рассказал о том, как влияет на карьеру мультимедиа художника стремительное развитие цифровых технологий, как устроена работа над масштабными мультимедийными проектами, и что будет определять развитие индустрии в ближайшие годы.
– За свою карьеру вы реализовали более 57 проектов по всему миру для крупнейших международных событий и брендов. Как развивался ваш профессиональный путь от первых работ до проектов глобального масштаба, и какие этапы стали для вас определяющими?
– Все началось со страсти к рисованию. Она привела меня в Британку (Британскую высшую школу дизайна – ред.) на курс компьютерной графики. Оттуда меня пригласили на РБК делать графику для эфира, а позже переманили на СТС – участвовать в обновлении визуального стиля канала. Но довольно быстро мне захотелось большего.
Так я попал в компанию, где сейчас работаю арт-директором и старшим мультимедиа-художником. Главным прорывом для меня лично стал первый крупный проект — кинетическое шоу для премиального автобренда. Оно объединило сложную проекцию и движущиеся экраны: они собирались в разные геометрические формы и в финале превращались в единое покрывало, из-под которого выезжал реальный автомобиль. Это был технологический авангард. Шоу позже взяло международную премию в Далласе и гран-при AUTOVISION AWARDS 2019 в Германии.
– Вы участвовали в разработке крупных проектов, рассчитанных на многомиллионную аудиторию: визуального шоу группы The Weeknd, интерактивного XR-перформанса Билли Айлиш, церемонии закрытия Чемпионата мира по футболу-2022 в Катаре и многих других. В чем заключается специфика визуальных шоу такого масштаба, и с какими неожиданными ситуациями можно столкнуться, работая над подобными проектами?
– Да. Яркий пример – тур The Weeknd After Hours 'til Dawn. В качестве арт-директора и старшего мультимедиа художника я попал в настоящий марафон на несколько месяцев. В таких проектах всегда много форс-мажоров. Например, сцена с трансформацией панорамы города из футуристических небоскребов в руины и подземелья, над которой я работал, в процессе дважды увеличилась по хронометражу, первый раз – более чем вдвое. Пришлось на ходу пересобирать геометрию, свет и настраивать анимацию под музыку. Это был серьезный вызов, но сцена вышла на экраны практически без правок. И труды полностью окупились. В итоге тур взял ряд наград, включая золото международной премии «EVENTEX».
– Зачастую, современные проекты в области цифрового дизайна требуют решения задач, с которыми профессиональное сообщество до этого не сталкивалось. Один из ярких примеров – первая в мире инсталляция с полностью замкнутым сферическим LED-экраном, премьера которой состоялась в Нижнем Новгороде в прошлом году. Вы непосредственно принимали участие в ее создании – расскажите, как строилась работа на неизведанной территории, где не было готовых решений?
– Проект «Точка сингулярности», где я выполнял роль старшего мультимедиа художника, о котором вы говорите, уникален тем, что это была первая полностью замкнутая 360° LED-сфера, и зритель буквально оказывался внутри изображения. В отличие от классических решений вроде знаменитой сферы в Лас-Вегасе или полусферических планетариев, здесь не существовало привычного разделения на зрительскую и экранную стороны – визуальная среда окружала человека со всех сторон. То есть ты больше не «показываешь контент» – ты создаешь среду, внутри которой человек физически существует.
С технической точки зрения это означает создание контента не для плоского экрана, а для сферической поверхности без единой точки перспективы. Поэтому любая ошибка в композиции, движении камеры или скорости анимации сразу вызывает дезориентацию. Кроме того, в таком пространстве зритель сам выбирает, куда смотреть, и это полностью меняет язык режиссуры.
Меня безумно вдохновляет поиск решений для задач, у которых нет готовых шаблонов. Когда правил в индустрии еще не существует, ты формируешь их сам. Это непередаваемое чувство, когда ты своими руками раздвигаешь границы возможностей мультимедиа. Индустрия ответила взаимностью – проект получил признание экспертов и сразу несколько наград: золото и серебро премии SREDA, премию bema! и LIGHTING DESIGN.
– Еще один определяющий тренд – развитие генеративного искусственного интеллекта, который все сильнее вторгается в «традиционное искусство». Яркий пример – выставка «АРТ+: где искусство встречается с ИИ», которая открылась в Москве в 2025 г. и стала одним из первых опытов создания масштабного иммерсивного пространства средствами генеративного ИИ. Вы знаете процесс изнутри – расскажите, как выстраивалась работа, когда, как и в случае с «Точкой сингулярности», готовых решений в индустрии не существовало?
– Проект представлял собой уникальную масштабную выставку, погружающую зрителя в миры великих живописцев, воссозданные под эту задачу с помощью ИИ. Главным вызовом был поиск визуального языка на стыке искусства и генеративных технологий. Так, для сцены в стиле маринистов, где зритель переносился на остров, мы методом проб и ошибок разработали сложный многоэтапный процесс: генерировали ключевые кадры на основе «знания» нейросети о картинах реальных художников, объединяли их в общую сцену, затем дробили на сегменты, анимировали каждый с помощью ИИ и бесшовно соединяли обратно. И это лишь одна из десятков скрытых от глаз технологий проекта.
– Проекты с вашим участием стали лауреатами ряда международных премий. Насколько в вашей сфере важно признание профессиональных заслуг? И какую из премий вы считаете наиболее значимой?
– Профессиональных наград в этой сфере действительно существует много. Какие-то более индустриальные, какие-то более специализированные. Проекты студии, на которых я работал, отмечены в обоих типах, таких как ADCR, Cannes, Autovision, Global Eventex, Telly, BEMA, Darc, Sreda, Lighting Design Awards, Hermes Creative Awards.
Лично для меня самая ценная награда, наверное, «Золото» Eventex Awards, которую получил проект «The Weeknd: After Hours Till Dawn Tour», над которым я работал и о котором рассказывал выше. Этот проект особенно важен для меня с точки зрения профессионального роста и опыта. Работа над визуальной частью одного из крупнейших мировых концертных туров последних лет стала серьезным творческим и производственным вызовом. Именно поэтому признание проекта профессиональным сообществом лично для меня ценно не только как награда, но и как подтверждение того, что вложенные усилия и амбиции команды были по достоинству оценены.
Эта награда важна тем, что сфокусирована исключительно на событийных проектах мирового уровня. Для экспертов нашей индустрии победа на Eventex — высший знак качества. Премия оценивает проект целиком, как сочетание художественного концепта, визуального языка, технологий, работы с пространством и финальных эмоций аудитории.
– Помимо коммерческих проектов ваши работы отбирались для международных фестивалей цифрового искусства DEMO и OFFF. Что дает художнику участие в подобных фестивалях и какие идеи вы исследовали в этих работах?
– Для меня фестивали – это прежде всего возможность исследовать идеи, которые которым пока не нашлось места в коммерческих проектах. Они дают возможность свободно экспериментировать, оценить востребованность новых или нестандартных художественных приемов, которые затем, – почему бы и нет – можно будет применить и в коммерческих проектах, привнося новое свежее дыхание.
В случае с участием в DEMO Festival меня оба раза привлекал необычный формат работы с городской средой. Было интересно придумать, как с помощью анимации изменить привычный визуальный ландшафт современного города, добавить в него эмоцию, настроение. Вместо рекламы и информационных сообщений цифровые экраны встроенные в городской контекст могут нести в себе полноценное художественное высказывание.
Фестиваль OFFF Barcelona был ближе к моей основной практике, поскольку в рамках участия нашей студии в фестивале мне удалось представить собственную авторскую работу в жанре масштабного архитектурного мэппинга. В этом проекте я исследовал тему взаимодействия человека и искусственного интеллекта через образ двух фигур, которые, непрерывно трансформируясь и двигаясь, становились частью архитектуры здания. Так окружение превращалось в единый живой холст, стирающий границу между фантазией и реальностью.
Участие фестивалях важно для меня не только как профессиональное признание и возможность показать свои работы широкой международной аудитории, но, повторюсь, в первую очередь, как возможность экспериментировать, искать новые художественные решения.
– Подытоживая наш разговор: в 2023 г. вы называли генеральными трендами мультимедиа иммерсивность и использование нейросетей. Изменилась ли картина сегодня? Какие тренды, исходя из вашего профессионального опыта, будут определять жизнь и развитие этого направления в обозримом будущем?
– Уже понятно, что ИИ с нами навсегда, нейросети плотно встроились в работу всех мировых студий. Однако я бы охарактеризовал взаимодействие дизайнеров с этими технологиями как «подвижное использование». Из-за бурного развития нейросетей структуру работы приходится часто менять. Чтобы оставаться на острие прогресса, нужно постоянно изобретать новые подходы и форматы.
Тренд на иммерсивность тоже только усилился. Например, я был в составе жюри премий фестиваля креативных индустрий G8 и ежегодных премий «Общества специалистов по визуальным эффектам». Глядя на работы участников, я вижу, глобальный тренд всей индустрии развлечений на активный поиск новых синкретичных художественных форм. Цель – максимально вовлечь зрителя в контент. Когда для запуска отеля на Таймс Сквер в Нью Йорке мы делали рекламную инсталляцию на огромном угловом экране, она была уникальной точкой притяжения, за что получила потом премию ART DIRECTORS CLUB OF EUROPE. И это был всего один экран. Теперь весь Тайм Сквер, все экраны, выходящие на площадь, могут работать синхронно, превращая целую площадь в единое иммерсивное пространство.